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SIGLO XX. VANGUARDIAS HISTÓRICAS /ABSTRACCIÓN

EL CONSTRUCTIVISMO

La revolución de octubre de 1917 libera en el viejo imperio ruso un inmenso caudal de energías.

Repentinamente cae todo el sistema social y surge la posibilidad de crear, desde el principio, un nuevo orden más justo y más libre. Esta es la clave histórica que permite entender el desarrollo de la vanguardia artística rusa en los años subsiguientes.

La tremenda guerra civil, el bloqueo económico y militar de los países de Occidente, y el desorden momentáneo originado por la revolución, hacen pasar al nuevo estado soviético por una situación difícil. Es necesario educar a las masas, aumentar la producción, y atacar con las armas ideológicas los restos intelectuales del antiguo régimen.

Fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexandre Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.

Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional.

Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo, el suprematismo y el dadaismo.

Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920, en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.

El utilitarismo, actitud frente al arte que dominaba en la recién constituida Unión Soviética (URSS), sostenía que el arte debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social.

Tatlin fusionó su dogma constructivista con el del nuevo Estado comunista, convirtiéndose en un diseñador poderoso e influyente dentro del nuevo orden estético.

El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.

EL SUPREMATISMO

El Suprematismo fue creado en 1913 en Rusia por Kasimir Malevich, su máximo representante, quien sostenía que la pintura debe ser exclusivamente el resultado de los elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo y cruz, para reflejar, no sólo la esencia material del mundo hecho por el hombre, sino también su anhelo de acercarse al misterio inexplicable del universo.

Para Malevich el arte no tiene por que ser útil socialmente, debiendo el artista mantener una independencia intelectual que le permita concentrarse en la creación.

Su pintura más famosa, Composición Suprematista: Blanco sobre Blanco (la cual presenta un cuadrado blanco sobre otro del mismo color) es considerada como una lógica conclusión de sus propuestas.

Características:

1. Permite captar formas y colores pero no evoca asociacionesni sentimientos.


2. Pretende expresar de una manera mística estados puros de conciencia o de inconsciencia no alterados por pensamientos reales.


3. Supremacía absoluta de la sensibilidad plástica pura en las artes figurativas.


4. Simplicidad de las formas: hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico.


5. Uso restringido del color: se llega al uso exclusivo del blanco y el negro porque excitaban la emoción. ·El rojo es considerado el color por excelencia.


6. Quiere transmitir la idea de que la realidad es espacio informe (blanco) y todas las diferenciaciones nominales y funcionales son una ilusión humana.

EL NEOPLASTICISMO

La “revolución cubista” tiene en Holanda una incidencia especial gracias a la constitución de un grupo de artistas en torno a la revista De Stijl (El Estilo) publicada entre 1917 y 1926. El fundador y animador principal es Theo van Doesburg, que aglutina en torno suyo a pintores como Piet Mondrian.

La línea recta, los volúmenes prismáticos simples y los colores planos son las principales características formales de los artistas mencionados. El radicalismo en los principios estéticos es tal, que cuando, a partir de 1924, Doesburg busca variaciones a sus estructuras formales utilizando rectángulos con una inclinación de 45 grados, Mondrian, disgustado, abandona De Stijl. Pero lo más interesante del neoplasticismo radica, precisamente en eso.

Más importante que las obras realizadas, son los fundamentos teóricos. Piet Mondrian, por ejemplo, el pintor más importante del grupo, repite en sus lienzos una y otra vez (desde 1919) variantes de sus rectángulos de distinto tamaño, para los que usa solamente los colores primarios, el blanco y el negro.

Interesa, pues, el método, las ideas que subyacen a estas realizaciones. Mondrian busca un “arte puro” desojado de lo particular y basado en alguna supuesta ley universal del equilibrio.
Sus planteamientos son idealistas y formalistas; no toma conciencia de que lo trágico, lo emotivo, o lo estable, no dependen de las formas consideradas aisladamente, sino de las relaciones de estas con los hombres concretos, social e históricamente condicionados.

Características:

1. Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal.


2. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.


3. Planteamiento totalmente racionalista.


4. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.


5. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.


6. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).


7. Empleo de fondos claros.

LA BAUHAUS

Escuela de arte y de arquitectura, fundada por Walter Gropius en Weimar en la primavera de 1919 y clausurada por los nazis e 1933, es considerada el principal centro de diseño durante los años veinte en Alemania. Sometida a abundantes tensiones internas así como a presiones políticas externas, se desarrolló en cinco grandes etapas y modificó cada vez su orientación.

1. Etapa: (1919-1922) : El cuerpo de profesores está constituido sobre todo por pintores provenientes de las diferentes tendencias expresionistas: Feininger, Itten, Klee, Muche y Kandinsky. Se pone el acento en el individualismo y se revaloriza el trabajo manual y artesanal.


2. Etapa: (1923-1924): La presencia en Weimar de Van Doesburg, editor de De Stijl, alimenta la controversia. Una progresiva aceptación de la civilización industrial y de la máquina culmina, con ocasión de la primera gran exposición de la Escuela en el verano de 1923, en una reformulación de su programa, resumida en el eslogan de Gropius: “Arte y técnica, una nueva unidad”


3. Etapa: (1924-1927): La partida de Itten y la llegada de Moholy-Nagy el mismo año aseguran la implantación del constructivismo en el seno de la Escuela. Durante esta tercera etapa se intenta buscar más activamente salidas en la industria, mediante la propuesta de objetos estándar destinados a la reproducción. Pero en abril de 1925, la Escuela, que no goza de autonomía financiera, debe ser disuelta, aunque Gropius logra que la municipalidad de Dessau acepte sus planes de una nueva Bauhaus, y en septiembre de 1926 se realiza el reinicio de las clases. Muchos de los nuevos profesores son antiguos alumnos de Weimar: Albers, que es el responsable de la enseñanza básica, Bayer, a cargo del taller de impresión y publicidad.


4. Etapa: (1928-1930): Las disciplinas científicas se vuelven preponderantes; además, se crea un taller de fotografía, confiado al ingeniero Walter Peterhans, Pero a Meyer no se le perdonan sus simpatías comunistas, y en septiembre de 1930 es destituido. Le sucede Mies van der Rohe, quien tiene que clamar los ánimos enardecidos.


5. Etapa: (1930-1933): Está consagrada al restablecimiento y compromiso con las autoridades locales. Para reinscribirse, los estudiantes deben comprometerse por escrito a mantener el orden. En abril de 1933, los nazis invaden la sede y cierran el establecimiento. Numerosos profesores y antiguos estudiantes emigran a los Estados Unidos, y la herencia cultural de la Bauhaus encuentra allí un terreno privilegiado que se desarrollará en Harvard, en Chicago y en el Black Mountain College.

PINTURA ABSTRACTA

La pintura abstracta se desarrolló durante la segunda década del siglo XX en países tan diferentes como Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos.

Tras las espantosas experiencias dejadas por la Primera Guerra Mundial, los representantes de esta corriente llevaron las tendencias del expresionismo hacia una pintura totalmente no figurativa, es decir, que no reproducía realidades concretas, pero no ya en un intento de copiar al mundo sino que de cambiarlo.

Este movimiento que ya iba apuntando desde finales del siglo XIX, busca la renovación absoluta de la pintura. Con su cuartel general en París, comienza presentando dos vertientes: una, cromática, y otra, geométrica.

La abstracción cromática centra su interés en el color: plasmación de unos colores simplemente, o bien de un estado anímico del pintor a través de una serie de manchas de color que, a su vez, pretenden causar una impresión anímica en el espectador.

La abstracción geométrica centrará su interés en la geometría y el orden, es decir: en la plasmación de esos cromatismos dentro de una ordenación matemática.

Características:

• Rechazo de toda representación objetiva de la realidad.


• Valoración de lo subjetivo y lo simbólico.


• Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia.


• Ausencia de contenido evidente.


• Ausencia de perspectiva o de cualquier convencionalismo de ilusión espacial.


• Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios.


• Color libre. Concepción gráfico-plástica apoyada en:


1. La creatividad intuitiva: formas abstractas surgidas de impresiones provocadas por la observación de la naturaleza, de improvisaciones que responden a impulsos emotivos espontáneos con intervención del azar; y composiciones surgidas de emociones internas conscientemente calculadas con ayuda de la razón.


2. La reducción subjetiva de la realidad: formas abstractas extraídas de la realidad mediante la reducción subjetiva de los contenidos aparienciales de las cosas a signos plásticos simbólicos del mundo objetivo, en función de la fantasía y la sensibilidad espiritual.


3. La abstracción cromática tiene como máximos representantes a Vassily Kandinsky, Robert Delaunay y su esposa Sonia Terk.

En cuanto a la abstracción geométrica destacan Casimir Malevich y Piet Mondrian.